4e concert de saison du Sinfonietta de Lausanne

C’est un public résolument conquis qui est sorti hier soir de la Salle Paderewski au Casino de Montbenon, après cette prestation pleine d’énergie du Sinfonietta de Lausanne et de son directeur Gábor Takács-Nagy.

Texte: Katia Meylan

Avec cette Danse hongroise n°5 que l’on ne présente plus, populaire, accessible et joyeuse, ils semblaient nous clamer « bienvenue à tous! » Ils le confirment par la n°6, un brin moins connue mais qui nous emporte dans le même imaginaire foisonnant de pas de danses et de couleurs.

Dans ces Danses, puis dans la Sérénade de Dvořák, public, musiciens et chef d’orchestre se donnent entièrement à la musique. Ce dernier, si l’on nous a laissé entendre qu’il était timide « dans la vraie vie », est sur scène un vrai plaisir à regarder. Sur son tapis presque volant, il sourit sans discontinuer, lance des « thumbs up » aux musiciens, chante avec les altos… et semble transmettre une énergie supplémentaire aux talentueuses cordes du Sinfonietta.

Le Divertimento de Bartók mêlera des élans plus tiraillés dans les joyeux sentiments instaurés par Bach et Dvořák. Violons, altos, violoncelles et contrebasses dialoguent, nous découvrons des solistes.

Puis deux bis, les deux Danses hongroises qu’ils nous offrent à nouveau. Encore plus furieusement qu’au début du concert, comme portés par les applaudissement et la fin du programme qui approche, ils se lâchent tout à fait! C’est avec cette image et dans le tourbillon de la Danse hongroise que le public rentrera chez lui ce vendredi soir.

www.sinfonietta.ch

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Le Béjart Ballet réaffirme sa mission

À l’occasion des dix ans de la disparition de Maurice Béjart, la nouvelle création de la compagnie – présentée du 19 au 24 décembre au Théâtre de Beaulieu Lausanne – rend hommage au chorégraphe.

Texte: Cécile Python

Un danseur à l’écran développe la jambe sur le côté et c’est un vrai chausson qui surgit de la toile: avec un dispositif de projection très réussi, le metteur en scène Marc Hollogne mêle dans cette pièce images d’archives et de fiction, texte, musique, et bien sûr les danseurs et danseuses du Béjart Ballet. Une synthèse artistique que n’aurait pas renié le fondateur de la compagnie lausannoise. Pour tenter de remonter aux sources de l’inspiration chorégraphique, le spectacle convoque la parole de Béjart à laquelle répondent les interprètes sur scène, cite des extraits de ses ballets emblématiques, fait revivre des personnalités telles Molière et la professeure du jeune danseur ou encore évoque des œuvres littéraires et musicales. On y retrouve les thèmes chers au chorégraphe, comme les différentes cultures et spiritualités.

Dixit est un ballet sur Maurice Béjart. On nous raconte son enfance, ses débuts, ses grands succès. On plonge dans son imagination, on l’accompagne en studio, on le suit sur scène. Avec une narration proche du cinéma qui prend la liberté de sauter d’une séquence à l’autre comme suivant le fil d’une pensée, le spectacle a aussi quelque chose d’onirique – comme lorsque les ballets se fondent les uns dans les autres, permettant par exemple à l’Oiseau de Feu de rencontrer l’Élue du Sacre du Printemps. Le rythme est rapide et la profusion d’images virtuelles ou réelles font qu’on se perd parfois, mais qu’on ne s’ennuie pas.

Dixit ©BBL – Lauren Pasche Haskiya

Dixit est aussi un ballet sur la création artistique: en mettant en scène le chorégraphe (interprété par Mattia Galiotto) en répétition avec ses danseurs, la pièce use à plusieurs reprises de la technique de la mise en abyme afin de faire voir le processus de création d’un ballet. C’était d’ailleurs un moyen déjà utilisé par Béjart lui-même qui aimait mettre en scène le travail de répétition en studio. Dans Dixit, on voit par exemple un extrait du Sacre du Printemps, interrompu par le jeune chorégraphe qui demande: « Combien de temps avant que le public entre dans la salle? Ok, on fait le final ». Et les danseurs se replacent pour nous offrir le final du Sacre. Ces moments où les personnages sortent de leur rôle pour créer un autre niveau d’illusion complexifie encore cette pièce qui jongle déjà entre passé et présent, texte parlé et danse, ballets de Maurice Béjart et de Gil Roman, images virtuelles et danseurs réels.

Le spectacle est bien sûr l’occasion d’évoquer les grandes œuvres toujours dansées par la compagnie: Le Boléro, Le Sacre du Printemps, L’Oiseau de Feu, Héliogabale. Les extraits sont repris tels quels mais parfois détournés, comme lorsque l’ensemble des danseurs reprend les pas du Boléro, à l’origine pensé pour un ou une soliste. Finalement, le BBL affirme son rôle de porteur de la mémoire d’une œuvre et sa filiation avec un chorégraphe célébré par ses danseurs, parfois à l’extrême. En somme, Dixit donne la parole au chorégraphe et, dans cet hommage, la compagnie semble s’effacer un peu derrière son créateur et au profit de la mise en scène. Gil Roman est présent à travers certaines de ses chorégraphies mais se montre surtout au service de Béjart. Une soirée en forme d’éloge au chorégraphe, donc. Pourtant, il semble que Dixit n’est pas seulement un ballet sur la richesse de ses sources d’inspiration, mais aussi sur l’amour que Béjart portait à la danse. Inspirée, sa compagnie continue à faire vivre les ballets qui nous font rêver.

www.bejart.ch

Nouvelle saison à l’Arsenic: modestie au service de l’art, et une légère tendance à ne pas planifier

Patrick de Rham, nouveau directeur de l’Arsenic, a présenté ce matin un tiers de sa programmation pour l’année 2017-2018. Le théâtre, connu pour son soutien envers les artistes contemporains émergents, ne connaîtra « pas de révolution mais une évolution ».

Texte: Katia Meylan

Patrick De Rham. Photo: Maxime Genoud

Simplicité et modestie, deux mots qui ont été utilisés à de nombreuses reprises par le directeur et par les journalistes présents. C’est aussi  l’impression que donne le nouveau visuel du programme: l’objet est peu coûteux, son contenu est clair et présente les spectacles au plus près, sans slogan ou tentative pour expliquer pourquoi c’est à l’Arsenic qu’il faut aller et pas ailleurs.
L’important: que « rien ne se mette entre les artistes et le public ».

 

Le directeur le dit lui-même, il ne s’est pas défini de style. C’est ce que proposent les artistes qui façonnera le futur proche et lointain de l’Arsenic. Même le mélange des formes d’art, plus que d’être la marque de fabrique du théâtre, est le fruit de « l’urgence des artistes ». C’est cette urgence aussi qui fait que le programme est annoncé par trimestre; certaines collaborations sont prévues sur le long terme bien sûr, mais on laisse aussi aux artistes la possibilité de réagir à ce qui les entoure.

« La Substance, but in English ». Photo: Beniamin Boar

L’évolution prendra plusieurs formes, et l’une d’elles est la diversification des formats. On aura du court, et aussi du très long. Notamment, « La substance, but in English », qui ouvrira la saison les 21 et 22 septembre, sera un spectacle de danse de 4h30, où le public pourra déambuler librement.

Le coup de cœur de Patrick de Rham semble être pour le one-woman show de Tiphanie Bovay-Klameth, « D’autres » , qui a déjà bien tourné dans les théâtres romands et continuera sur cette belle lancée pour la saison à venir. Le directeur décrit le spectacle comme un « chef d’œuvre, qui dépasse les limites du genre », qui allie humour et émotion et qui s’affine au fil du contact avec le public.

Cette programmation réunira de jeunes artistes mais accueillera également à nouveau des auteurs confirmés, que l’Arsenic a a aidé à faire éclore par le passé.

Pamina de Coulon, l’une des trois artistes en résidence

Quelques faits:

Nouveaux tarifs
Tarif normal: 15.-
Tarif réduit: 10.-

Le café de l’Arsenic sera ouvert tous les jeudis, vendredi et samedi, même les jours sans représentations, afin de faire vivre le lieu indépendamment de sa programmation.
On a eu la chance de goûter les gâteaux des nouvelles responsables du lieu lors de la conférence de presse… on recommande!

www.arsenic.ch

Voyager sans quitter Lausanne, avec le mythique Festival de la Cité

Cette 46e  édition du Festival de la Cité s’annonce haute en couleurs: du 4 au 9 juillet, sept scènes ainsi que treize lieux artistiques prendront la vielle ville d’assaut pour offrir une fois encore une myriade de spectacles aux festivaliers-ères.

Texte: Chloé Brechbühl

Lors de la conférence de presse mardi dernier, la directrice du festival Myriam Kridi, fière et enjouée, donne le ton de cette nouvelle édition avec trois adjectifs clés: la programmation de cette année sera pluridisciplinaire, métissée et audacieuse. Voici les ingrédients qui agrémenteront la recette, pourtant déjà bien équilibrée et goûtue, du magique Festival de la Cité. Un évènement annuel immanquable pour tout-e lausannois-e qui se respecte. Et pourtant, les organisateurs du festival ont émis le souhait d’attirer un public plus vaste, venu d’autres régions de Suisse, voire même d’ailleurs. Pour ce faire, les programmateurs se sont surpassés afin de dénicher des projets aussi originaux qu’éclectiques.

Comme de coutume, l’interdisciplinarité et la multiculturalité seront à l’honneur: les différentes disciplines des arts scéniques seront représentées de manière quasiment exhaustive avec de la musique, du théâtre, des performances, de la danse, du cirque, des marionnettes et autres surprises. Les artistes quant à eux, viendront des cinq continents, même si les organisateurs mettent un point d’honneur à présenter des talents suisses sur chaque scène afin de promouvoir la production artistique locale (ou du moins nationale).

Photo: Karol Jarek

Toujours entièrement gratuit, le festival propose cette année de faire vibrer son public avec six familles de programmation. La première catégorie – Engagée – est composée de spectacles et concerts étonnants, qui aborderont des sujets politiques avec créativité. La performance participative du suisse Christophe Meierhans par exemple, «Some Use for Your Broken Clay Pot», propose de repenser la démocratie à l’aide d’une nouvelle constitution, rédigée par l’artiste lui-même. Cette création théâtrale à la fois réaliste et subversive vise à lancer un débat afin de replacer la parole au sein de l’espace public.

 

Fête de l’insignifiance. Photo: José Alfredo

La deuxième catégorie – Dansante – fera quant à elle la part belle aux représentations festives. Le chorégraphe portugais Paulo Ribeiro présentera avec sa compagnie le spectacle «Fête de l’insignifiance», qui célébrera la beauté de relations humaines. La troisième famille, celle des Rêveurs & Rêveuses, réunit des projets audacieux tels que celui du jeune Radouan Mriziga: Dans sa performance «55», l’artiste fera de la cathédrale son espace scénique à l’aide d’une craie, utilisant son corps comme instrument de mesure.

La quatrième catégorie se nomme Puissants & Puissantes, et ne manquera pas d’étonner: Le Pont Bessières sera notamment le théâtre d’un affrontement musical entre un orchestre de Jazz et un ensemble baroque, dans le cadre du spectacle «L’Odyssée des Cuivres».

Le Festival se veut tout public: il y aura donc une cinquième famille, Easy Petzi, afin de combler les plus petits-es. C’est dans cette catégorie que se situe le projet «Carnet de Bal» de la Cie Madok: les enfants seront invités à confectionner des masques lors d’un atelier dans le jardin du Petit Théâtre, puis à porter ces derniers et à monter sur scène pour donner vie aux danses loufoques du livre de Mirjana Farkas.

La dernière catégorie réunira finalement des productions artistiques contemporaines sous la bannière Explorateurs & Exploratrices. Le collectif théâtral BPM traitera de manière humoristique le sujet de l’obsolescence, avec son spectacle «La K7».

Samba de la muerte, en 2016 sur la place de la Riponne. Photo: Marie Monod

Cherchant un équilibre entre art et festivité, le Festival ne manquera pas cette année encore de faire voyager l’imaginaire de son public avec de nouvelles découvertes artistiques. Amateurs de rock, passionnés de danse contemporaine, férus de théâtre participatif: le festival a tout pour vous plaire. La Cité, c’est de l’art plein la vue et plein les oreilles, un rendez-vous à ne pas manquer si vous n’êtes pas en vacances à l’autre bout du monde!

http://www.festivalcite.ch 

 

Will ou Huit années perdues de la vie du jeune William Shakespeare

David Salazar, Arnaud Huguenin et Victoria Baumgartner

Vendredi 26 mai, sur la terrasse d’un café à Lausanne, Victoria Baumgartner me parle de sa nouvelle création théâtrale, « Will ou huit années perdues de la vie du jeune William Shakespeare », les yeux pétillants et le sourire aux lèvres.

Texte: Maureen Miles

 

C’est que le projet tient particulièrement à cœur à la jeune femme, fondatrice de la Will & Compagnie. Spécialiste du grand dramaturge et de son œuvre, elle se lance il y a plusieurs mois dans l’écriture d’une pièce qui propose – rien que ça – de combler huit années de sa vie. En effet durant ces huit ans, personne ne sait exactement où était William Shakespeare ni ce qu’il a fait, car cela se passe avant qu’il débarque à Londres, écrive ses pièces à succès et devienne le Barde que l’on connaît aujourd’hui. « Cette idée me trottait dans la tête depuis longtemps parce que forcément c’est assez fascinant », explique Victoria Baumgartner. « Au moment où il arrive à Londres, c’est les tout débuts du théâtre tel qu’on le connaît, la corrélation est incroyable ». Heureusement, pour relever le défi, la metteuse en scène dispose d’un certain nombre de théories sur lesquelles elle planche pour inspirer sa création. Mais ses lectures et son important travail de recherche – déformation estudiantine oblige – lui permettent surtout de se détacher des faits historiques. « À un moment donné je me dis: je sais tout ça, maintenant qu’est-ce que moi je veux raconter ? ».

Mais comment a-t-elle fait pour donner corps à son Shakespeare? Contrairement à d’autres auteurs contemporains, m’explique Victoria, pas grand monde ne parle de Shakespeare à son époque, ce qui laisse penser que c’était quelqu’un de plutôt calme, qui faisait son petit bonhomme de chemin.
Pour incarner Will, elle choisit Arnaud Huguenin, diplômé de la Manufacture, qui lui fait penser à son personnage tragi-comique par ses côtés réfléchis et sensibles, tout en trahissant une certaine force intérieure. À nouveau, faits et fiction se mélangent: fan d’Ovide et bisexuel, le William Shakespeare qui nous est présenté dans la pièce cherche désespérément le sens des mots et doute de sa capacité à créer. Des interrogations que tout artiste a, relève Victoria. « À ce stade, Shakespeare cherche. Il a envie de faire quelque chose mais il se plante: il n’est pas bon tout de suite ».

Photo: Florine Mercier

La question du « quoi  » raconter est importante mais la question du « comment »  l’est tout autant. En effet, les représentations sont jouées actuellement dans un lieu quasi mystique: « la Cathédrale » d’Entre-Bois à Lausanne. Si cette salle n’a rien d’un lieu saint, on comprend mieux en y pénétrant pourquoi on l’a affublée de ce surnom ambitieux. De hautes et larges poutres de béton soutiennent ce vaste espace underground tamisé au centre duquel un carré de lumière ressort pour l’occasion: la scène de théâtre. Et ce n’est rien de moins qu’une expérience shakespearienne qui est proposée aux spectateurs, le public étant disposé de trois côtés autour de la scène (à la manière dont les pièces étaient jouées à l’époque) de sorte que chaque représentation promet d’être un peu unique selon l’angle d’où l’on regarde.

Pris à parti, le spectateur est non seulement plongé dans l’histoire mais aussi complice de la mise en scène qui s’offre à sa vue sans complexe: construction scénique, éclairage, musique jouée – composée d’ailleurs spécialement pour la pièce –, changements de costume…  S’ils sont minimalistes, les éléments de décors n’empêchent pas la magie théâtrale d’opérer. On est dans une forêt, puis dans un bateau, dans un palais, dans des tavernes… Truffée de références aux différentes œuvres du génie anglais, chacun est susceptible d’en entrevoir quelques-unes tant l’univers shakespearien fait partie de la culture populaire.

« Je voulais que ce soit une pièce qui parle du théâtre », explique Victoria. On peut dire que le pari est réussi. On rit, on frémit, on est ému. L’expérience ne laisse en tout cas pas indifférent.

La pièce est à voir du 30 mai au 5 juin à « la Cathédrale » d’Entre-Bois à Lausanne.

www.willetcompagnie.com

Mais d’où vient cette énergie entraînante? Nolosé !

Jeudi soir au D!Club le groupe lausannois de salsa-jazz Nolosé a présenté son 5ème disque en avant-première accompagné de plusieurs artistes invités pour l’occasion: « White Night Mambo » a conquis le public.

À l’occasion de la sortie de leur 5ème disque « White Night Mambo », Nolosé a organisé un grand concert inédit dans sa ville natale. Sur scène, trois couples de danseurs, deux chanteuses et deux percussionnistes (Edwin Sanz et Mambi) ont rejoint les neuf membres du groupe de salsa-jazz pour un concert qui a décidemment réchauffé l’ambiance du D!Club. Les voix envoutantes des deux solistes, Lidia Larrinaga et Pilar Velásquez, couplées aux mélodies entraînantes rappelant La Havane créées par les instruments accompagnants et les choristes gospel de Madrijazz, n’ont laissé aucune chance à ceux qui étaient venus sans prétention de danser. Si tout le monde ne possède pas le talent dont ont fait preuve sur scène les danseurs des écoles Alia Salsa School, Salsa y Dulzura et Cubaliente, il n’était tout de même pas possible de rester figés: dans la pénombre de la salle, les silhouettes ondulaient toutes au même rythme, celui de Nolosé. Des bulles se forment alors parmi la foule pour laisser place à quelques intrépides qui connaissent les bons pas de danse, quelqu’un bat sa main sur une petite table au rythme des chansons. Les applaudissements en fin de concert confirment la bonne réussite de la soirée.

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L’ensemble des artistes sur la scène du D!Club

Pour en découvrir d’avantage sur « White Night Mambo », L’Agenda a rencontré Laurent Cuénoud, percussionniste et membre fondateur de Nolosé, ainsi que la charmante Lidia Larrinaga, âme cubaine du groupe. On apprend alors que le disque n’a pas un mais plutôt quatre pays d’origine: Cuba bien évidemment, Lutry où il a été enregistré, la Grèce où Nolosé a fait une tournée intense, et New York, ville d’où viennent Hector Martignon et Christos Rafalides, deux musiciens renommés qui ont collaboré à la création de ce disque. Signe de l’inspiration internationale de cette dernière œuvre, les quatre faces de la case du disque présentent chacune un de ces lieux.

« Qué cuenta La Habana », leur 4ème disque qui a été enregistré à Cuba juste après la participation au Festival International Jazz Plaza et qui a gagné la distinction « Premium de la catégorie International » au CubaDisco en mai 2014, avait des sonorités « très cubaines », affirme Laurent Cuénoud. Avec « White Night Mambo » le groupe penche cette fois plus vers le jazz/soul: c’est un disque qui, selon Lidia Larrinaga, a « plus de richesse et de subtilités ». Richesse qui, au sein du groupe, est représentée par le mélange: de sonorités peu communes, d’un côté, et de nationalités, de l’autre. Nolosé est hétérogène, tout comme la Suisse qui regroupe différentes cultures et paysages: « le mélange est quelque chose de positif, c’est grâce à cela qu’on obtient de la richesse » estime Laurent.

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Nolosé

Comme déjà le nom du groupe, qui apparemment suscite pas mal de gags, aussi le titre du 5ème disque de Nolosé cache une histoire drôle: la légende narre qu’il a bien fallu une « nuit blanche » pour obtenir le neuvième et dernier morceau de l’album. De « Plazos Traicioneros » qui incite à une évolution continue à « Soy la rumba » qui donne une folle envie de danser, « White Night Mambo » véhicule un message très important: « on veut transmettre l’énergie, on veut que les gens se sentent bien, qu’ils se disent ‘on va voir Nolosé: on va s’amuser’ ! » souligne Lidia. « La salsa c’est le plaisir de vivre, c’est l’amour », ajoute-t-elle avec un grand sourire.

Pour présenter les résultats de leurs derniers efforts, le groupe part maintenant en tournée nationale. Prochains rendez-vous: 30 avril à l’école K’Danse, et 20 mai au Chorus Jazz Club pour le vernissage officiel de « White Night Mambo ».

Texte: Céline Stegmüller